Le nombre d'or est un concept mathématique qui a été découvert par les anciens Grecs et qui a été utilisé en art et en architecture depuis l'Antiquité. Il est considéré comme étant une proportion esthétiquement agréable, qui est souvent utilisée dans la composition d'images, notamment en photographie et en cinéma. Le nombre d'or est une proportion mathématique qui est égale à environ 1 618. Cette proportion est considérée comme étant esthétiquement agréable car elle est présente dans la nature, par exemple dans l a spirale d'une coquille de nautil e ou dans la disposition des feuilles sur une tige. En ce qui concerne la composition d'images, le nombre d'or est souvent utilisé pour déterminer l'emplacement des éléments clés de l'image. Par exemple, dans un plan large, l'horizon sera souvent placé au niveau de la ligne d'or du haut ou du bas de l'image , selon la présence ou non d'un élément important en premier ou en second plan. Le nombre d'or peut également être utilisé pour déterminer l'emplacement des points focaux dans l'image. Par exemple, dans un portrait, les yeux du sujet peuvent être placés à la hauteur de la ligne d'or pour créer une composition esthétiquement agréable. En ce qui concerne l'utilisation du nombre d'or dans le cinéma, il est souvent utilisé dans la composition des plans et des cadres. De nombreux réalisateurs, tels que Sergio Leone dans le film "Le Bon, la Brute et le Truand", utilisent le nombre d'or pour créer des plans équilibrés et esthétiquement agréables. En France, Jean-Pierre Jeunet utilise également le nombre d'or dans ses films, notamment dans "Amélie Poulain", pour créer des plans qui sont à la fois équilibrés et visuellement intéressants. Aux États-Unis, Stanley Kubrick était également connu pour utiliser le nombre d'or dans la composition de ses plans, notamment dans le film "2001, l'Odyssée de l'espace". En Italie, Federico Fellini était également connu pour utiliser le nombre d'or dans la composition de ses plans, notamment dans le film "La Dolce Vita". En conclusion, le nombre d'or est un concept mathématique qui est souvent utilisé dans la composition d'images, notamment en photographie et en cinéma. Il est considéré comme étant esthétiquement agréable et est utilisé par de nombreux réalisateurs pour créer des plans équilibrés et visuels intéressants. Et petite astuce pour terminer: exercez-vous à cadrer en suivant le nombre d'or avec la photographie Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

La compression vidéo est un élément clé dans le processus de production vidéo. Elle permet de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualité de l'image. Dans cet article, nous allons explorer en détail les différentes techniques de compression vidéo utilisées dans les caméras cinéma, ainsi que les notions de débit vidéo, de Codec, de Raw et de Raw compressé. La compression vidéo dans les caméras cinéma La compression vidéo est utilisée dans les caméras cinéma pour réduire la taille des fichiers vidéo afin de faciliter le stockage et la transmission des données. Les caméras cinéma modernes utilisent généralement des codecs de compression Les codecs sont des programmes de compression vidéo qui permettent de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualité de l'image. Les codecs les plus courants sont H.264, H.265, ProRes, DNxHD et CinemaDNG. Le H.264 est le codec le plus utilisé dans le monde de la vidéo, il est utilisé dans la plupart des caméras cinéma grand public. Le H.265 est une version plus récente et plus avancée du H.264, qui permet une compression plus efficace des fichiers vidéo 4K. Le ProRes et le DNxHD sont des codecs de qualité professionnelle utilisés dans les caméras cinéma haut de gamme. Le CinemaDNG est un codec non compressé qui permet de conserver la qualité de l'image originale. Le débit vidéo Le débit vidéo fait référence à la quantité de données vidéo dégradées par seconde . Il est généralement mesuré en kilobits par seconde (Kbps) ou en mégabits par seconde (Mbps). Le débit vidéo peut avoir une incidence sur la qualité de l'image et la fluidité du mouvement. Le Raw et le Raw compressé Le Raw est un format d'enregistrement vidéo non compressé qui permet de capturer toutes les données de l'image . Cela permet une grande flexibilité lors du processus de post-production, car l'utilisateur peut ajuster les paramètres tels que l'exposition, la balance des blancs et la saturation de la couleur. Cependant, les fichiers Raw sont très volumineux et bénéficient d'une capacité de stockage importante. Le Raw compressé est une version du format Raw qui utilise une compression vidéo sans perte pour réduire la taille des fichiers. Cette compression permet de conserver toutes les informations de l'image, tout en pensant à la taille des fichiers pour faciliter le stockage et la transmission des données. Exemples de films Le codec ProRes est largement utilisé dans les productions cinématographiques professionnelles, notamment dans les films de Christopher Nolan tels que "Dunkerque" et "Interstellar". Le codec DNxHD est également utilisé dans les productions cinématographiques haut de gamme, telles que "La La Land" et "Blade Runner 2049". Le codec CinemaDNG est couramment utilisé dans les productions cinématographiques indépendantes, telles que "Upstream Color" et "Tangerine". En conclusion, la compression vidéo est un élément essentiel de la production cinématographique moderne. Elle permet de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualite de l’image Et petite astuce pour terminer: inutile de toujours choisir une compression très faible en considérant que vous aurez la meilleure qualité votre image. La compression est déterminée en fonction de la finalité : où sera visionner votre vidéo ? Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

En cinématographie, l'exposition de l'image est un élément crucial de la qualité de l'image finale. L'exposition correspond à la quantité de lumière qui entre dans la caméra pour l'ancienne image. Il y a plusieurs facteurs qui peuvent affecter l'exposition, tels que l'ouverture, la vitesse d'obturation et les ISO. Cependant, il y a une solution simple et pratique pour régler l'exposition dans certaines situations : le filtre ND. Le filtre ND, ou filtre à densité neutre, est un filtre qui réduit la quantité de lumière qui a atteint le capteur de la caméra. Cela permet d'augmenter le temps d'exposition sans affecter la qualité de l'image. Le filtre ND est particulièrement utile dans les situations où il y a trop de lumière ambiante, comme en extérieur par une journée ensoleillée. Sans filtre ND, la caméra ne pourrait pas exposer correctement l'image, ce qui se traduirait par une image surexposée. Le filtre ND est disponible en différentes densités, chacune correspondant à une réduction de lumière différente. Les densités les plus courantes sont ND2 (réduit la lumière de moitié), ND4 (réduit la lumière de 2 diaphragmes), ND8 (réduit la lumière de 3 diaphragmes) et ND16 (réduit la lumière de 4 diaphragmes). Il est important de noter que les filtres ND peuvent également avoir des effets secondaires sur l'image, comme une légère modification de la couleur ou du contraste. La règle du triangle d'exposition stipule que l'exposition correcte est obtenue en équilibrant les trois éléments suivants : l'ouverture, la vitesse d'obturation et les ISO. En utilisant un filtre ND, on peut augmenter le temps d'exposition tout en maintenant l'ouverture et les ISO à un niveau approprié. Cela permet de maintenir un équilibre parfait entre ces trois éléments. Le filtre ND a été utilisé dans de nombreux films célèbres, tels que "The Revenant" de Alejandro G. Iñárritu, dans lequel le directeur de la photographie, Emmanuel Lubezki, a utilisé des filtres ND pour créer des images sublimes en pleine nature. De même, dans "Mad Max : Fury Road" de George Miller, les filtres ND ont été utilisés pour capturer des images de désert éblouissantes tout en maintenant une exposition correcte. Et petite astuce pour terminer: utiliser votre filtre ND pour maintenir votre plus grande ouverture et ainsi garder une très faible profondeur de champ ( flou arrière plan) Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

La balance des blancs est un paramètre important de l'image cinématographique, qui permet d'ajuster les couleurs pour obtenir une image fidèle à la réalité et à l'ambiance voulue. La balance des blancs est un processus de calibrage de la caméra q ui permet de régler la température de couleur en fonction de la lumière ambiante. Origines de la balance des blancs La balance des blancs tire son origine des techniques de la photographie argentique. Dans le passé, les photographes utilisaient des filtres de couleur pour ajuster la température de couleur de la lumière et obtenir des images avec une balance des blancs précise. Aujourd'hui, les caméras cinématographiques modernes disposent de réglages de balance des blancs qui permettent d'ajuster la température de couleur de l'image en temps réel. la température de couleur est une mesure courante utilisée en photographie et en vidéo pour décrire la balance des blancs. Cette mesure fait référence à la température à laquelle un corps noir émet une lumière de couleur similaire à celle de la source de lumière que l'on souhaite équilibrer. Le corps noir est un objet hypothétique qui absorbe complètement la lumière incidente et qui, en conséquence, émet de la lumière uniquement en fonction de sa température. Ainsi, lorsqu'un corps noir est chauffé, il émet une lumière dont la couleur dépend de la température de l'objet. Cette relation entre la température et la couleur de la lumière émise par un corps noir est appelée loi de Planck. En ce qui concerne l'expérience, la théorie du corps noir a été développée au XIXe siècle par des physiciens tels que Max Planck et Wilhelm Wien, qui ont illustré la manière dont les objets émettent et absorbant la lumière en fonction de leur température. L'expérience du corps noir consiste à chauffer un objet, généralement une cavité en métal, jusqu'à ce qu'ilte de la lumière. La couleur de cette lumière dépend de la température de l'objet, conformément à la loi de Planck. Cette expérience a permis de comprendre la nature de la lumière et a jeté les bases de la physique quantique. La température de couleur est donc une mesure de la couleur de la lumière émise par une source lumineuse, exprimée en degrés Kelvin (K). Cette mesure est utilisée pour décrire la balance des blancs car elle permet de définir une référence pour la couleur de la lumière blanche. En ajustant la balance des blancs de la caméra en fonction de la température de la lumière ambiante, il est possible d'obtenir des couleurs plus précises et plus naturelles dans l'image. Il convient de noter que la température de couleur est une mesure relative et que différents types de lumières peuvent avoir des températures de couleur différentes même s'ils sont tous qualifiés de "blancs". Par exemple, la lumière du jour à une température de couleur d'environ 5500 K, tandis que la lumière des ampoules à incandescence peut avoir une température de couleur d'environ 2700 K. Applications de la balance des blancs La balance des blancs est un paramètre important dans la cinématographie, car elle permet de créer l'ambiance visuelle voulue dans un film. Par exemple, pour une scène nocturne, une balance des blancs plus chaude (jaune-orange) peut être utilisée pour créer une ambiance chaleureuse et intimiste. En revanche, pour une scène en plein jour, une balance des blancs plus froide (bleue) peut être utilisée pour créer une ambiance plus froide et stérile. Exemples de films Dans le film sud-coréen "Parasite" (2019), réalisé par Bong Joon-ho et photographié par Hong Kyung-pyo, la balance des blancs est utilisée pour créer des ambiances différentes en fonction des scènes. Par exemple, les scènes dans la maison des richesses sont filmées avec une balance des blancs plus froide, permettant ainsi une ambiance de froideur et de distance sociale. En revanche, les scènes dans la maison des pauvres sont filmées avec une balance des blancs plus chaude, ainsi une ambiance plus chaleureuse et familiale. Dans le film américain "Her" (2013), réalisé par Spike Jonze et photographié par Hoyte Van Hoytema, la balance des blancs est utilisée pour créer une atmosphère futuriste et technologique. Les scènes du film ont une balance des blancs plus froide, avec une teinte bleue qui renforce l'aspect futuriste de l'histoire. En conclusion, la balance des blancs est un paramètre important de l'image cinématographique qui permet de régler la température de couleur en fonction de l'ambiance voulue. Les réalisateurs et les directeurs de la photographie doivent donc être attentifs à leur choix de balance des blancs pour créer l'ambiance visuelle souhaitée dans leur film. Et petite astuce pour terminer: régler votre balance des blancs sur la référence 5600k et modifier la température sur votre logiciel à l'aide de la pipette colorimétrique pour créer votre propre ambiance colorimétrique. Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

L'ouverture et le diaphragme d'une caméra cinéma sont des paramètres clés pour obtenir une image de qualité professionnelle. L'ouverture contrôle la quantité de lumière qui entre dans l'objectif de la caméra L'ouverture est exprimée en termes de "f/" ou "nombre f", qui est le rapport entre la distance focale de l'objectif et le diamètre de l'ouverture. Par exemple, un objectif avec une distance focale de 50 mm et une ouverture de f/2 aura un diamètre d'ouverture de 25 mm (50 mm divisé par 2). L'ouverture peut avoir un effet significatif sur l'exposition, la profondeur de champ et la couleur de l'image. Par exemple, une grande ouverture, comme f/1.4, permettra d'obtenir une exposition plus lumineuse et une faible profondeur de champ, tandis qu'une petite ouverture, comme f/16, permettra d'obtenir une exposition plus sombre et une grande profondeur de champ. Le diaphragme est constitué d'une série de lamelles qui s'ouvrent et se ferment pour contrôler la quantité de lumière qui a atteint le capteur de la caméra. Le choix de l'objectif peut également avoir un effet significatif sur l'ouverture et le diaphragme. Par exemple, un objectif avec une ouverture maximale de f/1.4 sera beaucoup plus lumineux qu'un objectif avec une ouverture maximale de f/4. De plus, les différents objectifs peuvent également avoir des caractéristiques de rendu des couleurs différentes, ce qui peut affecter la qualité et le style de l'image. En ce qui concerne les exemples de films, de nombreux réalisateurs et directeurs de la photographie utilisent l'ouverture et le diaphragme de manière créative pour obtenir des effets spécifiques. Par exemple , dans le film américain "The Social Network", le directeur de la photographie Jeff Cronenweth a utilisé des diaphragmes plus petits pour capturer des images nettes et précises. La relation entre l'ouverture et la profondeur de champ est très importante en cinématographie. En règle générale, plus l'ouverture est grande, plus la profondeur de champ sera faible, c'est-à-dire que la zone de netteté sera plus réduite. Prenons l'exemple du film suédois "The Square" (2017), réalisé par Ruben Östlund et photographié par Fredrik Wenzel. Dans ce film, la scène de la confrontation entre le personnage principal Christian et un journaliste, filmée en plan moyen, est un excellent exemple de l'utilisation de l'ouverture pour créer une faible profondeur de champ. Dans cette scène, le diaphragme a été ouvert pour obtenir une faible profondeur de champ, c e qui permet de focaliser l'attention du spectateur sur les expressions des visages et les émotions des personnages , permettant ainsi une tension dramatique plus forte. Un autre exemple est le film français "Amélie Poulain" (2001), réalisé par Jean-Pierre Jeunet et photographié par Bruno Delbonnel. Dans ce film, les scènes de rêve et de fantaisie sont souvent filmées avec une faible profondeur de champ, permettant ainsi une ambiance onirique et magique. Par ailleurs, l'ouverture peut également avoir une incidence sur la couleur et le contraste de l'image. Dans le film allemand "La Vie des autres" (2006), réalisé par Florian Henckel von Donnersmarck et photographié par Hagen Bogdanski, les scènes sombres ont été tournées avec une grande ouverture pour permettre à la caméra de capter suffisamment de lumière, mais cela a également créé une faible profondeur de champ et une certaine douceur dans l'image. En conclusion, l'ouverture est un paramètre essentiel de la caméra cinéma qui peut avoir des effets dramatiques sur la profondeur de champ et l'atmosphère visuelle d'un film. Les directeurs de la photographie doivent donc être attentifs à leur choix d'ouverture et adapter leur objectif en conséquence pour obtenir l'effet visuel souhaité. Et petite astuce pour terminer: si votre Diaph est mécanique et progresse par cran et que vous souhaiter faire varier votre expositiion en cours de la prise de vue , utiliser un filtre ND Variable Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

COMMENT RÉALISER UNE VIDÉO DÉMO POUR COMÉDIEN-NE

Bonjour tout le monde Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui Le 3e épisode est ici À la fin du 19e siècle, le théâtre, bien que peut-être pas considéré comme le plus noble d'activités, était une tradition généralement acceptée qui avait des racines anciennes en Grèce, en Italie l'influences de la Renaissance et fort soutien littéraire de grands écrivains comme William Shakespeare. Mais jouer sur scène à travers l'Europe et les États-Unis reste concentré sur le grand déclamatoire, style et à l'époque avant les micros de scène, il fallait en quelque sorte l'être. Mais le style n'était pas seulement né de la nécessité, c'était la théorie dominante que le théâtre devait être exagéré avant d'être réel. Acteur et théoricien du théâtre Benoit-Constant Coquelin, qui a été salué comme le plus grand acteur vivant par ses contemporains, a dit : "À mon avis, rien ne peut être parfait, rien ne peut être grand sans la nature, mais je dois répéter encore une fois que le Théâtre - l'art et, par conséquent, la nature ne peut s'y reproduire qu'avec quelques sorte d'idéalisation ou de contrainte, sans laquelle il n'y a pas d'art. Je dirai plus : la nature austère ne produit au théâtre qu'une très faible impression." Coquelin était fermement contre le naturalisme dans l'action. Agir pour la scène signifiait simuler émotion Un musicien et pédagogue français François Delsarte publierait même un livre de poses et des gestes de la main pour chaque émotion. Bien que son intention était de connecter l'émotionnel intérieur par expérience de l'acteur avec un ensemble systématique de gestes et de mouvements, il a été enseigné comme manière abrégée d'agir - lorsque le scénario appelle cette émotion - faites cette pose. Eh bien, ce type de jeu ennuyait un jeune acteur du nom de Constantin Stanislavski. Né en 1863 sous le nom de Konstantin Sergeyevich Alexeyev à l'une des familles les plus riches de Russie... à suivre : la génèse de la méthode de Stanislavski dans l'épisode 5 ...

Les ISO également appelées sensibilité ISO sont un élément important dans la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. Ils déterminent la sensibilité du capteur de la caméra à la lumière, et donc la quantité de lumière nécessaire pour créer une image correctement exposée. Les ISO sont exprimés en chiffres, avec des valeurs plus élevées indiquant une plus grande sensibilité à la lumière. Cependant, l'utilisation d'une sensibilité ISO élevée peut entraîner un bruit excessif dans l'image, ce qui peut réduire la qualité de l'image. Au cinéma, les ISO sont souvent utilisés pour créer des effets de lumière spécifiques. Par exemple, des ISO plus élevées peuvent être utilisées pour capturer des scènes dans des conditions de faible luminosité, telles que les scènes nocturnes ou les intérieurs sombres. À l'inverse, des ISO plus bas peuvent être utilisés pour capturer des scènes avec beaucoup de lumière, comme les scènes en extérieur ensoleillées. Il est important de noter que chaque caméra à une plage ISO native , qui est la plage d'ISO à laquelle la caméra fonctionne de manière optimale en termes de qualité d'image et de bruit . Les ISO nominaux, qui sont souvent indiqués sur la caméra, représentent cette plage native. Par exemple, pour une caméra dont la plage native est de 800 ISO, les ISO nominaux seraient de 100, 200, 400, 800, etc. Cependant, certaines caméras, comme la Blackmagic Pocket Cinema Camera 4K (ou le GH5 s La FX6 de Sony ect), disposent d'une fonctionnalité de double ISO, qui permet à la caméra de fonctionner à deux plages ISO natives différentes. Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour capturer des scènes avec une grande plage dynamique, car elle permet à la caméra de capturer à la fois les hautes et basses lumières de manière optimale pour des scènes de nuit. En ce qui concerne les exemples de films, de nombreux réalisateurs et directeurs de la photographie utilisent l'ISO de manière créative pour obtenir des effets spécifiques. Par exemple, dans le film "Blade Runner 2049", le directeur de la photographie Roger Deakins a utilisé des ISO élevées pour capturer les scènes nocturnes de manière réaliste . De même, dans le film "The Revenant", le directeur de la photographie Emmanuel Lubezki a utilisé des ISO élevés pour capturer les scènes sombres et brumeuses de manière immersive. En conclusion, les ISO sont un paramètre important pour la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. En comprenant comment l'ISO utilise la sensibilité du capteur à la lumière et la qualité de l'image, vous pouvez utiliser ce paramètre pour créer des images uniques et créatives qui correspondent à votre vision artistique. Et petite astuce pour terminer: utiliser un filtre ND pour garder votre ISO à la mesure Native de votre caméra. Astuce 2 : en plein soleil il est contre intuitif mais préférable de choisir des ISO élevés pour capturer des détails dans les nuages. (avec bien sur un filtre ND pour bien exposer vos images) Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

Bonjour tout le monde Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui Le 2e épisode est ici Parce que la Commedia dell'Arte s'est fortement appuyée sur l'improvisation, la forme s'est centrée sur quelques personnages et situations clés. Les rôles d'acteur dans une troupe de la Commedia dell'Arte se répartissaient en trois grandes catégories: les serviteurs (zanni), les maîtres ou anciens (généralement des vieillards d'où leur nom italien, les vecchi) et les amants (innamorati, également connus sous le nom d'amorosi). Parmi ces personnages , le plus connu du public moderne est peut-être l'Arlequin , un zanni légèrement supérieur, un personnage de serviteur amoral, espiègle mais joueur et narcissique. La tradition des masques perpétués dans la Commedia dell'Arte portés à la fois par le bas et des personnages supérieurs, mais certains des personnages, en particulier les amorosi, ont joué démasqué. La commedia a évolué vers différentes formes au fur et à mesure qu'elle se répandait à travers l'Europe pour s'adapter aux coutumes locales. Les Français affectionnaient particulièrement le personnage d'Arlequin et l'a développé davantage - en Angleterre, vous pouvez voir l'influence de nombreuses Commedia sur le barde lui-même, le Songe d'une nuit d'été de William Shakespeare présente de nombreux éléments de la Commedia dell'Arte Même si la Commedia était incroyablement influente, elle aurait les mêmes adversaires moraux que leurs homologues romains il y a un millénaire. L'église a vu le travail comme vulgaire et hérétique, peut-être que la concurrence pour leurs propres jeux de moralité. Mais les acteurs ont trouvé des ennemis politiques également. Napoléon Bonaparte interdit la Commedia en 1797 lors de son occupation de l'Italie car les dissidents politiques se sont cachés derrière des masques pour lancer des insultes en se moquant de leur nouvel empereur. Pourtant, l'influence de la Commedia dell'arte a persisté au fil des ans, informant la tradition de la scène et finalement en faire un film à partir de la pantomime schtick de Charlie Chaplin et Buster Keaton et même dans l'ère du son qui a apporté des influences de vaudeville comme on le voit dans le clip de la soupe au canard des Marx Brothers. à suivre : le 19e siècle et le théâtre dans l'épisode 4 ...